Joe Henderson • Tetragon

 

Biography by Scott Yanow
Joe Henderson is proof that jazz can sell without watering down the music; it just takes creative marketing. Although his sound and style were virtually unchanged from the mid-'60s, Joe Henderson's signing with Verve in 1992 was treated as a major news event by the label (even though he had already recorded many memorable sessions for other companies). His Verve recordings had easy-to-market themes (tributes to Billy Strayhorn, Miles Davis, and Antonio Carlos Jobim) and, as a result, he became a national celebrity and a constant poll winner while still sounding the same as when he was in obscurity in the 1970s.

The general feeling is that it couldn't have happened to a more deserving jazz musician. After studying at Kentucky State College and Wayne State University, Joe Henderson played locally in Detroit before spending time in the military (1960-1962). He played briefly with Jack McDuff and then gained recognition for his work with Kenny Dorham (1962-1963), a veteran bop trumpeter who championed him and helped Henderson get signed to Blue Note. Henderson appeared on many Blue Note sessions both as a leader and as a sideman, spent 1964-1966 with Horace Silver's Quintet, and during 1969-1970 was in Herbie Hancock's band. From the start, he had a very distinctive sound and style which, although influenced a bit by both Sonny Rollins and John Coltrane, also contained a lot of brand new phrases and ideas. Henderson had long been able to improvise in both inside and outside settings, from hard bop to freeform. In the 1970s, he recorded frequently for Milestone and lived in San Francisco, but was somewhat taken for granted. The second half of the 1980s found him continuing his freelancing and teaching while recording for Blue Note, but it was when he hooked up with Verve that he suddenly became famous. Virtually all of his recordings are currently in print on CD, including a massive collection of his neglected (but generally rewarding) Milestone dates. On June 30, 2001, Joe Henderson passed away due to heart failure after a long battle with emphysema.
https://www.allmusic.com/artist/joe-henderson-mn0000139804/biography

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Biografía de Scott Yanow
Joe Henderson es la prueba de que el jazz puede venderse sin diluir la música; sólo hace falta un marketing creativo. Aunque su sonido y su estilo no han cambiado prácticamente desde mediados de los años 60, el fichaje de Joe Henderson por Verve en 1992 fue tratado como un gran acontecimiento por la discográfica (a pesar de que ya había grabado muchas sesiones memorables para otras compañías). Sus grabaciones para Verve tenían temas fáciles de comercializar (homenajes a Billy Strayhorn, Miles Davis y Antonio Carlos Jobim) y, como resultado, se convirtió en una celebridad nacional y en un constante ganador de encuestas mientras seguía sonando igual que cuando estaba en la oscuridad en los años 70.

El sentimiento general es que no podría haberle ocurrido a un músico de jazz más meritorio. Tras estudiar en el Kentucky State College y en la Wayne State University, Joe Henderson tocó a nivel local en Detroit antes de pasar por el ejército (1960-1962). Tocó brevemente con Jack McDuff y luego ganó reconocimiento por su trabajo con Kenny Dorham (1962-1963), un veterano trompetista de bop que lo defendió y ayudó a Henderson a firmar con Blue Note. Henderson apareció en muchas sesiones de Blue Note como líder y como acompañante, pasó de 1964 a 1966 con el Quinteto de Horace Silver, y durante 1969-1970 estuvo en la banda de Herbie Hancock. Desde el principio, tenía un sonido y un estilo muy característicos que, aunque estaban un poco influenciados por Sonny Rollins y John Coltrane, también contenían muchas frases e ideas nuevas. Henderson llevaba mucho tiempo siendo capaz de improvisar tanto en ambientes interiores como exteriores, desde el hard bop hasta el freeform. En la década de 1970, grabó con frecuencia para Milestone y vivió en San Francisco, pero se le daba por descontado. En la segunda mitad de los años 80 continuó trabajando como freelance y dando clases mientras grababa para Blue Note, pero fue cuando se unió a Verve cuando se hizo famoso de repente. En la actualidad, casi todas sus grabaciones se encuentran en CD, incluida una enorme colección de sus olvidadas (pero generalmente gratificantes) fechas de Milestone. El 30 de junio de 2001, Joe Henderson falleció debido a un fallo cardíaco tras una larga batalla contra el enfisema.
https://www.allmusic.com/artist/joe-henderson-mn0000139804/biography

www.bluenote.com/joe-henderson ...
 

 Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Freddie Hubbard • Super Blue

 

 

Biography by Scott Yanow
One of the great jazz trumpeters of all time, Freddie Hubbard formed his sound out of the Clifford Brown/Lee Morgan tradition, and by the early '70s was immediately distinctive and the pacesetter in jazz. However, a string of blatantly commercial albums later in the decade damaged his reputation and, just when Hubbard, in the early '90s (with the deaths of Dizzy Gillespie and Miles Davis), seemed perfectly suited for the role of veteran master, his chops started causing him serious troubles.

Born and raised in Indianapolis, Hubbard played early on with Wes and Monk Montgomery. He moved to New York in 1958, roomed with Eric Dolphy (with whom he recorded in 1960), and was in the groups of Philly Joe Jones (1958-1959), Sonny Rollins, Slide Hampton, and J.J. Johnson, before touring Europe with Quincy Jones (1960-1961). He recorded with John Coltrane, participated in Ornette Coleman's Free Jazz (1960), was on Oliver Nelson's classic Blues and the Abstract Truth album (highlighted by "Stolen Moments"), and started recording as a leader for Blue Note that same year. Hubbard gained fame playing with Art Blakey's Jazz Messengers (1961-1964) next to Wayne Shorter and Curtis Fuller. He recorded Ascension with Coltrane (1965), Out to Lunch (1964) with Eric Dolphy, and Maiden Voyage with Herbie Hancock, and, after a period with Max Roach (1965-1966), he led his own quintet, which at the time usually featured altoist James Spaulding. A blazing trumpeter with a beautiful tone on flügelhorn, Hubbard fared well in freer settings but was always essentially a hard bop stylist.

In 1970, Freddie Hubbard recorded two of his finest albums (Red Clay and Straight Life) for CTI. The follow-up, First Light (1971), was actually his most popular date, featuring Don Sebesky arrangements. But after the glory of the CTI years (during which producer Creed Taylor did an expert job of balancing the artistic with the accessible), Hubbard made the mistake of signing with Columbia and recording one dud after another; Windjammer (1976) and Splash (a slightly later effort for Fantasy) are low points. However, in 1977, he toured with Herbie Hancock's acoustic V.S.O.P. Quintet and, in the 1980s, on recordings for Pablo, Blue Note, and Atlantic, he showed that he could reach his former heights (even if much of the jazz world had given up on him). But by the late '80s, Hubbard's "personal problems" and increasing unreliability (not showing up for gigs) started to really hurt him, and a few years later his once mighty technique started to seriously falter. In late 2008, Hubbard suffered a heart attack that left him hospitalized until his death at age 70 on December 29 of that year.Freddie Hubbard's fans can still certainly enjoy his many recordings for Blue Note, Impulse, Atlantic, CTI, Pablo, and his first Music Masters sets.
https://www.allmusic.com/artist/freddie-hubbard-mn0000798326#biography

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Biografía de Scott Yanow
Freddie Hubbard, uno de los grandes trompetistas de jazz de todos los tiempos, formó su sonido a partir de la tradición de Clifford Brown/Lee Morgan, y a principios de los 70 se distinguió de inmediato y marcó el ritmo del jazz. Sin embargo, una serie de álbumes descaradamente comerciales a finales de la década dañaron su reputación y, justo cuando Hubbard, a principios de los 90 (con la muerte de Dizzy Gillespie y Miles Davis), parecía perfectamente adecuado para el papel de maestro veterano, sus habilidades comenzaron a causarle serios problemas.

Nacido y criado en Indianápolis, Hubbard tocó temprano con Wes y Monk Montgomery. Se mudó a Nueva York en 1958, compartió habitación con Eric Dolphy (con quien grabó en 1960) y formó parte de los grupos de Philly Joe Jones (1958-1959), Sonny Rollins, Slide Hampton y J. J. Johnson, antes de realizar una gira por Europa con Quincy Jones (1960-1961). Grabó con John Coltrane, participó en Free Jazz de Ornette Coleman (1960) , estuvo en el álbum Classic Blues and the Abstract Truth de Oliver Nelson (destacado por "Stolen Moments") y comenzó a grabar como líder de Blue Note ese mismo año. Hubbard ganó fama tocando con los Jazz Messengers de Art Blakey (1961-1964) junto a Wayne Shorter y Curtis Fuller. Grabó Ascension con Coltrane (1965), Out to Lunch (1964) con Eric Dolphy y Maiden Voyage con Herbie Hancock, y, después de un período con Max Roach (1965-1966), dirigió su propio quinteto, que en ese momento generalmente presentaba al altoista James Spaulding. Un trompetista ardiente con un hermoso tono en flügelhorn, a Hubbard le fue bien en entornos más libres, pero siempre fue esencialmente un estilista de hard bop.

En 1970, Freddie Hubbard grabó dos de sus mejores álbumes (Red Clay y Straight Life) para CTI. El seguimiento, First Light (1971), fue en realidad su cita más popular, con arreglos de Don Sebesky. Pero después de la gloria de los años de CTI (durante los cuales el productor Creed Taylor hizo un trabajo experto en equilibrar lo artístico con lo accesible), Hubbard cometió el error de firmar con Columbia y grabar un fracaso tras otro; Windjammer (1976) y Splash (un esfuerzo ligeramente posterior para Fantasy) son puntos bajos. Sin embargo, en 1977, realizó una gira con V. S. O. P. acústico de Herbie Hancock. Quinteto y, en la década de 1980, en grabaciones para Pablo, Blue Note y Atlantic, demostró que podía alcanzar sus alturas anteriores (incluso si gran parte del mundo del jazz se había dado por vencido con él). Pero a fines de los 80, los "problemas personales" de Hubbard y la creciente falta de confiabilidad (no presentarse a los conciertos) comenzaron a lastimarlo realmente, y unos años más tarde, su una vez poderosa técnica comenzó a fallar seriamente. A fines de 2008, Hubbard sufrió un ataque cardíaco que lo dejó hospitalizado hasta su muerte a los 70 años el 29 de diciembre de ese año.Los fanáticos de Freddie Hubbard aún pueden disfrutar de sus muchas grabaciones para Blue Note, Impulse, Atlantic, CTI, Pablo y sus primeros sets de Music Masters.
https://www.allmusic.com/artist/freddie-hubbard-mn0000798326#biography


 

Bill Barron • Hot Line, The Tenor Of Bill Barron

 

Review by Scott Yanow
Tenors Bill Barron and Booker Ervin team up on this frequently exciting quintet outing with pianist Kenny Barron, bassist Larry Ridley and drummer Andrew Cyrille. Barron's five advanced originals alternate with three standards (including "Now's the Time," "Work Song" and a previously unissued "Billie's Bounce" that give the two tenors an opportunity to display their contrasting but complementary inside/outside styles.
https://www.allmusic.com/album/hot-line-mw0000910410

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Reseña de Scott Yanow
Los tenores Bill Barron y Booker Ervin se unen en esta salida de quinteto frecuentemente emocionante con el pianista Kenny Barron, el bajista Larry Ridley y el baterista Andrew Cyrille. Los cinco originales avanzados de Barron se alternan con tres estándares (incluidos "Now's the Time", "Work Song" y un "Billie's Bounce" inédito que les da a los dos tenores la oportunidad de mostrar sus estilos contrastantes pero complementarios dentro y fuera.
https://www.allmusic.com/album/hot-line-mw0000910410

Ed Cherry • Second Look

  

 

"An expressive instrumentalist, Cherry has a hip, melodic approach that is a refreshing contrast to guitarists who frequently resort to playing 'finger music', the execution of rapid streams of notes that serve no musical purpose other than to fill space"- Jim Ferguson: Jazztimes - 06/02

Born in New Haven,Connecticut, Ed moved to New York in 1978 to play guitar with Dizzy Gillespie from 1978 to 1992 performing in Gillespie's quartet, big band and with The United Nation Orchestra which recorded the Grammy Award-winning Live at Royal Festival Hall (Enja). Gillespie died in 1993, and Cherry released his first recording as a leader, 'First Take' (Groovin' High). That same year, Ed recorded with Paquito D'Riveras' small group which recorded "Havana Cafe" (Chesky Records). Ed also worked with composer/saxophonist Henry Threadgill for two years and recorded  three cds with Henry's 'Very Very Circus' group.

In 1995, Cherry released his second project as a solo artist, entitled A Second Look (Groovin' High Records). During that same period Ed worked with Hammond organist John Patton recording three critically acclaimed cds with Patton's quartet-'Blue Planet Man','Minor Swing' and 'This ones for Jah'(DIW). From 1997 to 1998, Cherry worked in Roy Hargrove's “Crisol” Latin jazz band, which performed in Havana, Cuba. During this same period, he also worked w/baritone saxophonist, Hamiett Bluiett, recording Bluiett's cd 'With Eyes Wide Open' on Justin-Time records.In 2001, Cherry toured Europe for the first time with his own group. He also released his  cd, 'The Spirit Speaks' on the Canadian Justin Time Records label, inspired by the great jazz organist Jimmy Smith with whom he had also recently worked.Ed was asked to perform at the 'Vodaphone Madarao Jazz festival'in 2002 in Madarao Japan with his quartet featuring trumpeter Jon Faddis.

More recently , Ed toured with the great Hammond organist Dr. Lonnie Smith, recording one critically acclaimed cd, 'In The Beginning' on Pilgrimage Records in 2012.

Currently Ed has a brand new second recording released on Posi-Tone Records. ('It's All Good' his first release in 2012 for Posi-Tone stayed in the JazzWeek charts for 3 months) his second recording for the label is titled "Soul Tree" ( release date February 19 2016 ) featuring Kyle Koehler on Hammond B3 organ and drummer Anwar Marshall. As of this pre release date, it's already gathering rave reviews.

Ed continues to work nationally and internationally ; concerts, workshops, jazz clubs.
https://www.edcherryguitar.com/

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"Instrumentista expresivo, Cherry tiene un enfoque moderno y melódico que supone un refrescante contraste con los guitarristas que a menudo recurren a tocar 'música de dedos', la ejecución de rápidas secuencias de notas que no tienen otro propósito musical que llenar el espacio"- Jim Ferguson: Jazztimes - 06/02

Nacido en New Haven, Connecticut, Ed se trasladó a Nueva York en 1978 para tocar la guitarra con Dizzy Gillespie de 1978 a 1992, actuando en el cuarteto de Gillespie, en la big band y con The United Nation Orchestra, que grabó el disco Live at Royal Festival Hall (Enja), ganador de un Grammy. Gillespie murió en 1993, y Cherry publicó su primera grabación como líder, 'First Take' (Groovin' High). Ese mismo año, Ed grabó con el pequeño grupo de Paquito D'Riveras que grabó "Havana Cafe" (Chesky Records). Ed también trabajó con el compositor/saxofonista Henry Threadgill durante dos años y grabó tres cds con el grupo 'Very Very Circus' de Henry.

En 1995, Cherry lanzó su segundo proyecto en solitario, titulado A Second Look (Groovin' High Records). Durante ese mismo periodo, Ed trabajó con el organista Hammond John Patton grabando tres cds aclamados por la crítica con el cuarteto de Patton: "Blue Planet Man", "Minor Swing" y "This ones for Jah" (DIW). De 1997 a 1998, Cherry trabajó en la banda de jazz latino "Crisol" de Roy Hargrove, que actuó en La Habana, Cuba. Durante este mismo periodo, también trabajó con el saxofonista barítono Hamiett Bluiett, grabando el CD de Bluiett "With Eyes Wide Open" en Justin-Time Records. En 2001, Cherry realizó su primera gira por Europa con su propio grupo. También publicó su CD "The Spirit Speaks" en el sello canadiense Justin Time Records, inspirado en el gran organista de jazz Jimmy Smith, con quien también había trabajado recientemente. En 2002, Ed fue invitado a actuar en el "Vodaphone Madarao Jazz festival" de Madarao (Japón) con su cuarteto, en el que también participaba el trompetista Jon Faddis.

Más recientemente, Ed realizó una gira con el gran organista Hammond Dr. Lonnie Smith, grabando un cd aclamado por la crítica, 'In The Beginning' en Pilgrimage Records en 2012.

Actualmente Ed tiene una nueva segunda grabación publicada en Posi-Tone Records. ('It's All Good' su primer lanzamiento en 2012 para Posi-Tone permaneció en las listas de JazzWeek durante 3 meses) su segunda grabación para el sello se titula "Soul Tree" ( fecha de lanzamiento 19 de febrero 2016 ) con Kyle Koehler en el órgano Hammond B3 y el baterista Anwar Marshall. A partir de esta fecha de pre-lanzamiento, ya está recogiendo críticas muy favorables.

Ed sigue trabajando a nivel nacional e internacional ; conciertos, talleres, clubes de jazz.
https://www.edcherryguitar.com/

www.edcherryguitar.com ...

Colaborador / Contributor:  Michel

 

Idris Muhammad • Peace And Rhythm

 

Review
by Stewart Mason
Parts of the second solo album by Prestige Records' house drummer, Idris Muhammad, are an even poppier affair than Black Rhythm Revolution, with a mellow soul-jazz feel replacing the slight Latin tinge of the earlier album. Side one is downright crossover, with its two pieces of positive-thinking pop (the lyrics, by Muhammad, are sung by his wife, Sakinah Muhammad) separated by a loose but faithful take on Wilson Pickett's "Don't Knock My Love." That's just side one, though. Side two is something much weirder and far more interesting. "The Peace and Rhythm Suite" is a side-long suite consisting of two long, spacy compositions that predate the ambient house scene by nearly two decades yet sound entirely of a piece with that style. Long, droning, sustained chords on a variety of wind and reed instruments float above Muhammad's percussion, which ebbs and flows in a free, almost arrhythmic way through most of the piece. Fans of the Orb or Brian Eno will find it an old hat, but for early-'70s jazz, this was downright revolutionary.
https://www.allmusic.com/album/peace-rhythm-mw0000858031

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Reseña
por Stewart Mason
Algunas partes del segundo álbum en solitario del batería de la casa Prestige Records, Idris Muhammad, son un asunto aún más pop que Black Rhythm Revolution, con un suave aire de soul-jazz que sustituye al ligero tinte latino del álbum anterior. La primera cara es francamente crossover, con sus dos piezas de pop positivo (las letras, de Muhammad, las canta su mujer, Sakinah Muhammad) separadas por una versión suelta pero fiel de "Don't Knock My Love" de Wilson Pickett. Pero eso es sólo la primera cara. La segunda cara es algo mucho más extraño e interesante. "The Peace and Rhythm Suite" es una larga suite lateral formada por dos composiciones largas y espaciadas que preceden a la escena ambient house en casi dos décadas, pero que suenan totalmente a ese estilo. Largos y zumbantes acordes sostenidos en una variedad de instrumentos de viento y lengüeta flotan sobre la percusión de Muhammad, que fluye y refluye de forma libre, casi arrítmica, durante la mayor parte de la pieza. A los fans de The Orb o Brian Eno les parecerá algo anticuado, pero para el jazz de principios de los 70, esto era francamente revolucionario.
https://www.allmusic.com/album/peace-rhythm-mw0000858031

Tyrone Washington • Natural Essence

 

 

Review
by Ken Dryden  
This release is a bit of a mystery, because this sole date as a leader by Tyrone Washington seems to mark his final appearance on record (following two sessions as a sideman, including Stanley Cowell's Brillant Circles and Horace Silver's The Jody Grind); his name doesn't show up in jazz encyclopedias, so one wonders if he died prematurely or quit music for some other reason. Only 23 at the time of the recording, the tenor saxophonist composed six originals and is joined by other promising young lions who went onto great careers (pianist Kenny Barron and trumpeter Woody Shaw), along with alto saxophonist James Spaulding, bassist Reggie Workman, and drummer Joe Chambers. Washington shows the influence of John Coltrane during his rapid-fire runs, while his playing during his more straight-ahead works proves to be more memorable. The opener, "Natural Essence," is an interesting alchemy of blues, funk, and hard bop. "Yearning for Love" is an emotional piece with spirited interaction between the three horns in places. The remaining tracks don't make as strong an impression, so it is possible that the inclusion of some standards or pieces by either Shaw or Barron might have added to the appeal of the date. Long out of print since its appearance on LP, it has been reissued on CD by Toshiba-EMI of Japan; fans of hard bop who are willing to spend a little extra for this import reissue may want to investigate the only CD by this mysterious tenor saxophonist.
https://www.allmusic.com/album/natural-essence-mw0000368572


Biography
American jazz tenor saxophonist, born in 1944. Grew up in the same house as Woody Shaw, left Howard University School of Music and joined the Horace Silver bands during the early 1960s. Moved into New York City's State of New York Conservatory of Music Building on West Street. Sometime after the mid-1970s, drifted away from music to pursue his religion, completely abandoning music to preach the gospel. Changed his name to Bialar Mohammed and lived in Newark, New Jersey as of 2010.
https://www.discogs.com/artist/377410-Tyrone-Washington

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Reseña
por Ken Dryden  
Este lanzamiento es un poco misterioso, porque esta única fecha como líder de Tyrone Washington parece marcar su última aparición en disco (después de dos sesiones como sideman, incluyendo Brillant Circles de Stanley Cowell y The Jody Grind de Horace Silver); su nombre no aparece en las enciclopedias de jazz, así que uno se pregunta si murió prematuramente o dejó la música por alguna otra razón. Con sólo 23 años en el momento de la grabación, el saxofonista tenor compuso seis originales y está acompañado por otros jóvenes leones prometedores que llegaron a tener grandes carreras (el pianista Kenny Barron y el trompetista Woody Shaw), junto con el saxofonista alto James Spaulding, el bajista Reggie Workman y el batería Joe Chambers. Washington muestra la influencia de John Coltrane durante sus rápidas ejecuciones, mientras que su forma de tocar durante sus trabajos más directos resulta más memorable. El primer tema, "Natural Essence", es una interesante alquimia de blues, funk y hard bop. "Yearning for Love" es una pieza emotiva con una animada interacción entre las tres trompas. Las pistas restantes no causan una impresión tan fuerte, por lo que es posible que la inclusión de algunas normas o piezas de Shaw o Barron podría haber añadido al atractivo de la fecha. Descatalogado hace tiempo desde su aparición en LP, ha sido reeditado en CD por Toshiba-EMI de Japón; los aficionados al hard bop que estén dispuestos a gastar un poco más por esta reedición de importación tal vez quieran investigar el único CD de este misterioso saxofonista tenor.
https://www.allmusic.com/album/natural-essence-mw0000368572


Biografía
Saxofonista tenor de jazz estadounidense, nacido en 1944. Creció en la misma casa que Woody Shaw, dejó la Escuela de Música de la Universidad Howard y se unió a las bandas de Horace Silver a principios de los años sesenta. Se trasladó al edificio del Conservatorio de Música de Nueva York, en la calle West. A partir de mediados de la década de 1970, se alejó de la música para dedicarse a su religión, abandonando por completo la música para predicar el evangelio. Cambió su nombre por el de Bialar Mohammed y en 2010 vivía en Newark, Nueva Jersey.
https://www.discogs.com/artist/377410-Tyrone-Washington

Elvin Jones • Time Capsule

 

A real standout in the 70s catalog of Elvin Jones – for a number of key reasons! First up, the set's got more of an electric vibe than usual – thanks to Fender Rhodes from Kenny Barron and guitar from Ryo Kawasaki, who really help shape the sound of the set!

Second, production is by Ed Bland – who does a masterful job of blending soul, spirit, and harder-edged jazz modes – on tunes that often have a nice modal vibe at the core! The group also features excellent alto work from Bunky Green – who really sparkles strongly throughout, and who also wrote more than half the material on the album.
https://www.jazzmessengers.com/en/88757/elvin-jones/time-capsule


Review by Scott Yanow
Drummer Elvin Jones' Vanguard recordings of 1975-77, of which this was the final one, generally found him playing with all-stars or augmenting his band with guests. The five obscurities on this LP (three by altoist Bunky Green, who emerges as the date's top soloist) matches Jones with Green, tenor saxophonist George Coleman, the electric piano of Kenny Barron, bassist Junie Booth, guitarist Ryo Kawasaki, and percussionist Angel Allende. Two of the songs ("Frost Bite" and "Digital Display") have bassist Milt Hinton and flutist Frank Wess; the latter piece also adds the soprano of Frank Foster. Overall, the music is worthwhile, although not quite adding up to the sum of its many parts; the set has very little unity despite some individual fireworks.
https://www.allmusic.com/album/time-capsule-mw0000659850

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Un disco realmente destacado en el catálogo de los años 70 de Elvin Jones, ¡por varias razones clave! En primer lugar, el disco tiene un aire más eléctrico de lo habitual, gracias al Fender Rhodes de Kenny Barron y a la guitarra de Ryo Kawasaki, que realmente ayudan a dar forma al sonido del disco.

En segundo lugar, la producción corre a cargo de Ed Bland, que hace un trabajo magistral mezclando el soul, el espíritu y los modos más duros del jazz, en temas que a menudo tienen una agradable vibración modal en su núcleo. El grupo también cuenta con el excelente trabajo como contralto de Bunky Green, que realmente brilla con fuerza en todo el disco y que también escribió más de la mitad del material del álbum.
https://www.jazzmessengers.com/en/88757/elvin-jones/time-capsule


Reseña de Scott Yanow
Las grabaciones de Vanguard del baterista Elvin Jones entre 1975 y 1977, de las cuales ésta fue la última, generalmente lo encontraron tocando con estrellas o aumentando su banda con invitados. Las cinco oscuridades de este LP (tres de ellas del contralto Bunky Green, que se convierte en el mejor solista de la fecha) emparejan a Jones con Green, el saxofonista tenor George Coleman, el piano eléctrico de Kenny Barron, el bajista Junie Booth, el guitarrista Ryo Kawasaki y el percusionista Angel Allende. Dos de las canciones («Frost Bite» y «Digital Display») cuentan con el bajista Milt Hinton y el flautista Frank Wess; esta última pieza añade además la soprano de Frank Foster. En general, la música merece la pena, aunque no llega a ser la suma de sus muchas partes; el conjunto tiene muy poca unidad a pesar de algunos fuegos artificiales individuales.
https://www.allmusic.com/album/time-capsule-mw0000659850

 

Stan Getz & Kenny Barron • People Time

 

Stan Getz - tenor saxophone
Kenny Barron - piano

Stan Getz and Kenny Barron -- a perfect pairing on the famous People Time record, heard here in an expanded 7CD version of that classic set! The album was recorded quite late in Stan's career, but it also represented a new flowering too -- a wonderfully mature approach to tenor sax that mixed up all the dark corners and warm moments of previous years, given beautifully subtle accompaniment in the piano of Barron. Kenny's got a way of doing a lot with a little -- just like Stan -- and their pairing here quickly became the stuff of legend, once the album was released. There's no other players -- no bass or drums -- but Kenny puts the groove together perfectly for Stan, whose blowing only seems to get more and more sublime in the space of the set. 7CDs worth of material recorded over the space of 3 nights -- 51 tracks in all, and a delight throughout! ~ © 1996-2010, Dusty Groove America, Inc.

2009 seven CD set from Jazz great Stan Getz along with Kenny Barron. Just a few months before his death, Getz (1927-1991) decided to make a live album with the pianist Kenny Barron. Getz and Barron, who had just spent five years performing with bassist Rufus Reid and drummer Victor Lewis in what was quite possibly the best quartet of Getz's career, formed a sort of band within a band, working four nights in front of a live audience (and a recording crew) at the Caf‚ Montmartre in Copenhagen. Shortly after Getz's death, 14 of these tracks were issued on a two-CD release entitled People Time. Now, Universal Music France issues the complete recordings: 48 performances on seven discs that amount to as moving a last will and testament as have ever heard by a major musician. ~ Universal

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Stan Getz - saxo tenor

Kenny Barron - piano

Stan Getz y Kenny Barron - un perfecto emparejamiento en el famoso disco de People Time, que se escucha aquí en una versión ampliada de 7CD de ese clásico set! El álbum se grabó bastante tarde en la carrera de Stan, pero también representó un nuevo florecimiento: un enfoque maravillosamente maduro del saxo tenor que mezcló todos los rincones oscuros y los momentos cálidos de los años anteriores, con un acompañamiento maravillosamente sutil en el piano de Barron. Kenny tiene una forma de hacer mucho con poco, como Stan, y su emparejamiento aquí se convirtió rápidamente en una leyenda, una vez que el álbum fue lanzado. No hay otros intérpretes, ni bajo ni batería, pero Kenny le pone el ritmo perfectamente a Stan, cuyo soplido parece cada vez más sublime en el espacio del set. 7CDs de material grabado en el espacio de 3 noches -- 51 pistas en total, y una delicia en todo momento! ~ © 1996-2010, Dusty Groove America, Inc.

2009 siete CD del gran Stan Getz del Jazz junto con Kenny Barron. Sólo unos meses antes de su muerte, Getz (1927-1991) decidió hacer un álbum en vivo con el pianista Kenny Barron. Getz y Barron, que acababa de pasar cinco años actuando con el bajista Rufus Reid y el baterista Victor Lewis en lo que posiblemente fue el mejor cuarteto de la carrera de Getz, formaron una especie de banda dentro de una banda, trabajando cuatro noches frente a un público en directo (y un equipo de grabación) en el Caf' Montmartre de Copenhague. Poco después de la muerte de Getz, 14 de estos temas se publicaron en un lanzamiento de dos CDs titulado People Time. Ahora, Universal Music France publica las grabaciones completas: 48 interpretaciones en siete discos que constituyen un testamento tan conmovedor como el de un gran músico. ~ Universal

Bill Barron & Ted Curson • Now Hear This!

 

The co-leaders of the Bill Barron-Ted Curson group are both products of the same Philadelphia environment that has produced such great modern jazzmen as John Coltrane, Bobby Timmons, and Charlie Ventura.

Bill Barron grew up in a musical family. Inspired to learn music by his mother who had studied the piano, young Bill turned first to piano lessons, second-at the age of thirteen-to lessons on the saxophone.

Bill enrolled in the music course at Mastbaum Vocational High in Philly, where his classmates included Johnny Coles, Red Rodney, and Howard Reynolds. School couldn't hold him, however, when he was given an opportunity to join the Carolina Cotton Pickers band. Bill traveled with this band until he was drafted into the army.
In the army, the growing saxophonist grew by leaps and bounds with the help of Ernie Henry, the late alto saxophonist, who helped Bill to get a seat in the army band. A later arrival in the same organization was Randy Weston. Speaking of the pianist, Bill says gratefully, "Randy really brought a new sound into our band, and it helped me hear something I hadn't heard before."

After his discharge from the army, Barron was still hearing and playing this new sound. He returned to Philadelphia where he soon graduated from the Ornstein School of Music. In and around Philly, Bill played with his own group and under the direction of Jimmy Heath, Johnny Coles, Mel Melvin, and Red Garland. Finally, he made the big move to New York City. Here Bill has appeared with Cecil Taylor, Ted Curson, Mingus, Philly Joe Jones, his own band, and, most recently, with the Barron-Curson group.

Ted Curson has arrived at this same point by a remarkably similar route. He is also a Philadelphian. His sister played the violin - not professionally but enough to interest young Ted in music. At the age of ten he began trumpet lessons, sidestepping his father's attempts to start him on the saxophone.

Like Bill, Ted took the music course at Mastbaum High. After graduation he traveled extensively in the United States and Canada with carnivals, jazz bands, and stage shows. In the Philadelphia area, he worked with Charlie Ventura. After he moved onto the New York scene, he played with Duke Jordan, Red Garland, Cecil Taylor, and Charlie Mingus. Then Ted graduated again-this time to leading his own group!

The Curson Quartet, sometimes a Quintet, went the rounds of the New York clubs-Birdland, the Five Spot, the Jazz Gallery (now defunct), Minton's, the Purple Manor, the Prelude, and Brooklyn's Coronet Bar. Then the band took the road to such- faraway places as Newport, New Haven, Rochester, and Montreal [...]

—Taken from the inside liner notes

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Los colíderes del grupo Bill Barron-Ted Curson son ambos productos del mismo entorno de Filadelfia que ha producido grandes jazzistas modernos como John Coltrane, Bobby Timmons y Charlie Ventura.

Bill Barron creció en una familia musical. Inspirado a aprender música por su madre, que había estudiado piano, el joven Bill recurrió primero a las lecciones de piano y, en segundo lugar, a los trece años, a las lecciones de saxofón.

Bill se inscribió en el curso de música en Mastbaum Vocational High en Filadelfia, donde entre sus compañeros de clase se encontraban Johnny Coles, Red Rodney y Howard Reynolds. Sin embargo, la escuela no pudo retenerlo cuando se le dio la oportunidad de unirse a la banda Carolina Cotton Pickers. Bill viajó con esta banda hasta que fue reclutado por el ejército.
En el ejército, el creciente saxofonista creció a pasos agigantados con la ayuda de Ernie Henry, el difunto saxofonista alto, quien ayudó a Bill a conseguir un puesto en la banda del ejército. Una llegada posterior a la misma organización fue Randy Weston. Hablando del pianista, Bill dice agradecido: "Randy realmente trajo un nuevo sonido a nuestra banda, y me ayudó a escuchar algo que no había escuchado antes."

Después de su baja del ejército, Barron todavía escuchaba y tocaba este nuevo sonido. Regresó a Filadelfia, donde pronto se graduó de la Escuela de Música Ornstein. En Filadelfia y sus alrededores, Bill tocó con su propio grupo y bajo la dirección de Jimmy Heath, Johnny Coles, Mel Melvin y Red Garland. Finalmente, hizo la gran mudanza a la ciudad de Nueva York. Aquí Bill ha aparecido con Cecil Taylor, Ted Curson, Mingus, Philly Joe Jones, su propia banda y, más recientemente, con el grupo Barron-Curson.

Ted Curson ha llegado a este mismo punto por una ruta notablemente similar. También es filadelfiano. Su hermana tocaba el violín, no profesionalmente, pero lo suficiente como para interesar al joven Ted en la música. A la edad de diez años comenzó a tomar lecciones de trompeta, eludiendo los intentos de su padre de iniciarlo en el saxofón.

Al igual que Bill, Ted tomó el curso de música en Mastbaum High. Después de graduarse, viajó extensamente por los Estados Unidos y Canadá con carnavales, bandas de jazz y espectáculos teatrales. En el área de Filadelfia, trabajó con Charlie Ventura. Después de mudarse a la escena de Nueva York, tocó con Duke Jordan, Red Garland, Cecil Taylor y Charlie Mingus. Luego Ted se graduó nuevamente, ¡esta vez para liderar su propio grupo!

El Cuarteto Curson, a veces un Quinteto, recorrió los clubes de Nueva York: Birdland,Five Spot, Jazz Gallery (ahora desaparecida), Minton's, Purple Manor, Prelude y Brooklyn Coronet Bar. Luego, la banda tomó el camino a lugares tan lejanos como Newport, New Haven, Rochester y Montreal [...]

- Tomado de la Reseña editorial

The Classical Jazz Quartet • Play Tchaikovsky

Review:

Jazz renditions of classical compositions go way back -- even before jazz, actually, when the procedure was called "ragging the classics." Tchaikovsky has been friendly territory for jazz players from the start with his great self-contained tunes. The Classical Jazz Quartet -- Kenny Barron on piano, Ron Carter on bass, Stefon Harris on vibraphone and marimba, and Lewis Nash on drums -- takes up where the Modern Jazz Quartet of the 1950s left off. This disc was originally released as The Nutcracker Suite; it now reappears as part of a series of CJQ discs, each devoted to a different composer. This entire disc is based on Tchaikovsky's The Nutcracker, whose famous tunes each serve as a basis for a variety of post-bop modern jazz improvisations. Tchaikovsky works as well for this purpose as would popular song melodies (for several of which his music has already served as the source, anyhow). A special pleasure is the vibraphone "Dance of the Mirlitons," (here titled "Mirlitonova"), in which Harris comes to the fore with a strong evocation of the style of Milt Jackson of the Modern Jazz Quartet. With the caveat for classical purists that this is a jazz disc rather than a jazz-flavored performance of Tchaikovsky, this is fusion music that anyone can enjoy at holiday time.

by James Manheim

https://www.allmusic.com/album/the-classical-jazz-quartet-play-tchaikovsky-mw0000016614

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Reseña:

Las interpretaciones de jazz de las composiciones clásicas se remontan a mucho tiempo atrás... incluso antes del jazz, en realidad, cuando el procedimiento se llamaba "ragging the classics". Tchaikovsky ha sido un territorio amigable para los jazzistas desde el principio con sus grandes melodías autónomas. El Cuarteto de Jazz Clásico -- Kenny Barron en el piano, Ron Carter en el bajo, Stefon Harris en el vibráfono y la marimba, y Lewis Nash en la batería -- continúa donde lo dejó el Cuarteto de Jazz Moderno de los años 50. Este disco fue originalmente lanzado como The Nutcracker Suite; ahora reaparece como parte de una serie de discos CJQ, cada uno dedicado a un compositor diferente. Todo este disco está basado en El Cascanueces de Tchaikovsky, cuyas famosas melodías sirven de base para una variedad de improvisaciones de jazz moderno post-bop. Tchaikovsky trabaja tan bien para este propósito como lo harían las melodías de canciones populares (para varias de las cuales su música ya ha servido como fuente, de todos modos). Un placer especial es el vibráfono "Dance of the Mirlitons", (aquí titulado "Mirlitonova"), en el que Harris se destaca con una fuerte evocación del estilo de Milt Jackson del Cuarteto de Jazz Moderno. Con la advertencia para los puristas clásicos de que este es un disco de jazz en lugar de una interpretación con sabor a jazz de Tchaikovsky, esta es la música de fusión que cualquiera puede disfrutar en tiempo de vacaciones.

por James Manheim

https://www.allmusic.com/album/the-classical-jazz-quartet-play-tchaikovsky-mw0000016614

Yusef Lateef • The Gentle Giant

 

 

 

William Emanuel Huddleston, (n. Chattanooga, 9 de octubre de 1920 ; m. Sutesbury (Massachusetts), 23 de diciembre de 2013), mejor conocido como Yusef Lateef, fue un músico estadounidense que tocaba la flauta, el oboe y el saxo tenor, encuadrado habitualmente como músico de jazz, aunque su ámbito estilístico era el de la vanguardia musical en general: hard bop, new age, músicas del mundo, etc.

Lateef creció en Detroit y empezó tocando el saxo tenor a los 17 años. Trabajó con Lucky Millinder (1946), Hot Lips Page, Roy Eldridge y con la big band de Dizzy Gillespie (1949-50). Durante los años cincuenta se inició en el estudio de la flauta en la Wayne State University.

Comenzó a grabar como líder en 1955 para el sello Savoy y más tarde para Riverside y Prestige. En 1959, se trasladó a Nueva York, cuando ya tenía una sólida reputación por su versatilidad y su tendencia a utilizar instrumentos creados por él.

En 1960, tocó con Charles Mingus, acompañó a Donald Byrd y trabajó con el Cannonball Adderley Sextet (1962-1964).

Con Impulse! (1963-1966) grabó algunos de sus mejores trabajos, como también lo fueron los grabados para Atlantic (1967-76).

En los años ochenta se dedicó a la enseñanza en Nigeria y su música prestó atención al new age, ampliando sus intereses en los noventa y llegando a grabar improvisación pura con músicos como Ricky Ford, Archie Shepp y Von Freeman. [WIKI]

http://www.yuseflateef.com/

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Yusef Abdul Lateef (born William Emanuel Huddleston; October 9, 1920 – December 23, 2013) was an American jazz multi-instrumentalist, composer and prominent figure among the Ahmadiyya Community in America, in 1950.

 Although Lateef's main instruments were the tenor saxophone and flute, he also played oboe and bassoon, both rare in jazz, and also used a number of non-western instruments such as the bamboo flute, shanai, shofar, xun, arghul and koto. He is known for having been an innovator in the blending of jazz with "Eastern" music. Peter Keepnews, in his New York Times obituary of Lateef, wrote that the musician "played world music before world music had a name."[2]

 Lateef wrote and published a number of books including two novellas entitled A Night in the Garden of Love and Another Avenue, the short story collections Spheres and Rain Shapes, also his autobiography, The Gentle Giant, written in collaboration with Herb Boyd.[3] Along with his record label YAL Records, Lateef owned Fana Music, a music publishing company. Lateef published his own work through Fana, which includes Yusef Lateef's Flute Book of the Blues and many of his own orchestral compositions.

http://www.yuseflateef.com/

 

 

Kenny Barron Trio • Minor Blues

 

Review by Ken Dryden

Kenny Barron was honored as an NEA Jazz Master on January 12, 2010, and it was a recognition that was due. Since entering the jazz scene in the early '60s, he has made his mark as a sideman (especially with Dizzy Gillespie and Stan Getz), solo pianist, leader, and composer. These 2009 sessions pair him with frequent collaborator Ben Riley and fellow veteran George Mraz on bass. While most of the focus is on familiar standards, the opener is Barron's slinky "Minor Blues," in which Barron and Mraz both shine backed by Riley's brushwork, though the drummer switches to sticks for his breaks. The leader's jaunty take of "Emily" and driving treatment of "How Deep Is the Ocean?" sizzle. His richly textured setting of "Too Late Now" doesn't require its lyrics to get across the mood of the song, while his breezy Latin arrangement of Billie Holiday's "Don't Explain" casts this ballad in a new light. This is yet another fine example of Kenny Barron's superb chops in a small-group setting.

Biography:

Kenny Barron's unmatched ability to mesmerize audiences with his elegant playing, sensitive melodies and infectious rhythms is what inspired “The Los Angeles Times” to name him “one of the top jazz pianists in the world” and “Jazz Weekly” to call him “The most lyrical piano player of our time.”

Philadelphia is the birthplace of many great musicians, including one of the undisputed masters of the jazz piano: Kenny Barron. Kenny was born in 1943 and while a teenager, started playing professionally with Mel Melvin's orchestra. This local band also featured Barron's brother Bill, the late tenor saxophonist. At age 19, Kenny moved to New York City and was hired by James Moody after the tenor saxophonist heard him play at the Five Spot.

He joined Dizzy Gillespie's band in 1962, where he developed an appreciation for Latin and Caribbean rhythms. After five years with Dizzy, Barron played with Freddie Hubbard, Stanley Turrentine, Milt Jackson, and Buddy Rich. In 1971 he joined Yusef Lateef's band. It is Lateef who Kenny credits as a key influence in his art for improvisation. In 1973 Kenny joined the faculty at Rutgers University as professor of music. He held this tenure until 2000, mentoring many of today's young talents including David Sanchez, Terence Blanchard, and Regina Bell. In 1974 he recorded his first album as a leader for the Muse label, entitled “Sunset To Dawn.” This was to be the first of over 40 recordings (and still counting!) as a leader.

Throughout the 1980's, Kenny collaborated with the great tenor saxophonist Stan Getz, touring with his quartet and recording several albums, one of which was nominated for a Grammy (”People Time”) Also during the 80's, he co-founded the quartet “Sphere,” along with Buster Williams, Ben Riley and Charlie Rouse. This band focused on the music of Thelonious Monk and original compositions inspired by him. Sphere recorded several outstanding projects for the Polygram label, among them “Four For All” and “Bird Songs.” After the death of Charlie Rouse, the band took a 15-year hiatus and reunited, replacing Rouse with alto saxophonist Gary Bartz. This reformation made its debut recording for Verve Records in 1998.

Kenny Barron's own recordings for Verve have earned him five Grammy nominations, most recently for “Spirit Song” in 2000. Prior Grammy nominations went to “Sambao,” “Night and the City” (a duet recording with Charlie Haden) and “Wanton Spirit” (a trio recording with Roy Haynes and Haden.) It is important to note that these three recordings each received double-Grammy nominations (for album AND solo performance.) Barron consistently wins the jazz critics and readers polls, including Downbeat, JazzTimes and Jazziz magazines. He has been named Best Pianist by the Jazz Journalists Association every year since 1997 and was as a finalist in the prestigious 2001 Jazz Par International Jazz Award.

Throughout his career, Kenny Barron has been the pianist of choice for some of jazz's greatest musicians. Now at age 58, whether he is playing solo, with his Trio or his newest ensemble, “Brazilia” (a quintet featuring some of Brazil's greatest musicians), Kenny Barron is now recognized the world over as a master of performance and composition.

https://musicians.allaboutjazz.com/kennybarron

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Reseña de Ken Dryden

Kenny Barron fue honrado como un Maestro de Jazz de NEA el 12 de enero de 2010, y fue un reconocimiento que se le debía. Desde que entró en la escena del jazz a principios de los 60, ha dejado su huella como sideman (especialmente con Dizzy Gillespie y Stan Getz), pianista solista, líder y compositor. Estas sesiones de 2009 lo emparejan con su frecuente colaborador Ben Riley y su compañero veterano George Mraz en el bajo. Mientras que la mayor parte del enfoque está en los estándares familiares, la apertura es el slinky "Minor Blues" de Barron, en el que Barron y Mraz brillan respaldados por la pincelada de Riley, aunque el baterista cambia a los palos para sus descansos. La alegre toma del líder de "Emily" y el tratamiento de conducción de "¿Qué tan profundo es el océano?" chisporrotean. Su rico escenario de "Too Late Now" no requiere que la letra de la canción se adapte al ambiente de la misma, mientras que su alegre arreglo latino de "Don't Explain" de Billie Holiday le da a la balada una nueva luz. Este es otro buen ejemplo de las magníficas habilidades de Kenny Barron en un ambiente de grupo pequeño.

Biografía:

La inigualable habilidad de Kenny Barron para cautivar al público con su elegante forma de tocar, sus sensibles melodías y sus contagiosos ritmos es lo que inspiró al "Los Angeles Times" a nombrarlo "uno de los mejores pianistas de jazz del mundo" y al "Jazz Weekly" a llamarlo "El pianista más lírico de nuestro tiempo".

Filadelfia es la cuna de muchos grandes músicos, incluyendo uno de los maestros indiscutibles del piano de jazz: Kenny Barron. Kenny nació en 1943 y durante su adolescencia comenzó a tocar profesionalmente con la orquesta de Mel Melvin. Esta banda local también contaba con la participación del hermano de Barron, Bill, el fallecido saxofonista tenor. A la edad de 19 años, Kenny se mudó a la ciudad de Nueva York y fue contratado por James Moody después de que el saxofonista tenor lo escuchó tocar en el Five Spot.

Se unió a la banda de Dizzy Gillespie en 1962, donde desarrolló una apreciación por los ritmos latinos y caribeños. Después de cinco años con Dizzy, Barron tocó con Freddie Hubbard, Stanley Turrentine, Milt Jackson y Buddy Rich. En 1971 se unió a la banda de Yusef Lateef. Es a Lateef a quien Kenny atribuye una influencia clave en su arte para la improvisación. En 1973 Kenny se unió a la facultad de la Universidad de Rutgers como profesor de música. Ocupó este puesto hasta el año 2000, siendo mentor de muchos de los jóvenes talentos de hoy en día, incluyendo a David Sánchez, Terence Blanchard y Regina Bell. En 1974 grabó su primer álbum como líder para el sello Muse, titulado "Sunset To Dawn". Esta iba a ser la primera de más de 40 grabaciones (¡y todavía siguen contando!) como líder.

A lo largo de los años 80, Kenny colaboró con el gran saxofonista tenor Stan Getz, haciendo giras con su cuarteto y grabando varios discos, uno de los cuales fue nominado a un Grammy ("People Time") También durante los años 80, co-fundó el cuarteto "Sphere", junto con Buster Williams, Ben Riley y Charlie Rouse. Esta banda se centró en la música de Thelonious Monk y en composiciones originales inspiradas en él. Sphere grabó varios proyectos destacados para el sello Polygram, entre ellos "Four For All" y "Bird Songs". Después de la muerte de Charlie Rouse, la banda se tomó un paréntesis de 15 años y se reunió, reemplazando a Rouse con el saxofonista alto Gary Bartz. Esta reforma hizo su debut grabando para Verve Records en 1998.

Las propias grabaciones de Kenny Barron para Verve le han valido cinco nominaciones al Grammy, la más reciente por "Spirit Song" en el año 2000. Las nominaciones previas al Grammy fueron para "Sambao", "Night and the City" (una grabación a dúo con Charlie Haden) y "Wanton Spirit" (una grabación a trío con Roy Haynes y Haden.) Es importante notar que estas tres grabaciones recibieron cada una nominaciones a los Grammy dobles (para el álbum Y la actuación en solitario.) Barron gana consistentemente las encuestas de los críticos y lectores de jazz, incluyendo las revistas Downbeat, JazzTimes y Jazziz. Ha sido nombrado Mejor Pianista por la Asociación de Periodistas de Jazz cada año desde 1997 y fue finalista del prestigioso premio Jazz Par International Jazz Award 2001.

A lo largo de su carrera, Kenny Barron ha sido el pianista elegido por algunos de los más grandes músicos del jazz. Ahora a la edad de 58 años, ya sea que toque solo, con su Trío o con su más reciente conjunto, "Brazilia" (un quinteto con algunos de los más grandes músicos de Brasil), Kenny Barron es ahora reconocido en todo el mundo como un maestro de la interpretación y la composición.

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Joe Farnsworth • In What Direction Are You Headed

 

One of the most highly regarded jazz drummers on the scene today, Joe is known for his blazing speed, precision, musical, and melodic playing.

Born in South Hadley, Massachusetts in 1968, Joe grew up in a musical family; his father was a music educator and he has four older brothers, two of whom became professional musicians.  

He studied with Alan Dawson and Arthur Taylor prior to attending and graduating from William Patterson College in New Jersey in 1994 where he began playing with saxophonist, Eric Alexander and guitarist, Peter Bernstein.

Upon moving to New York City, he led the weekend jazz combos at Augie’s (now Smoke Jazz & Supper Club). He performed with Junior Cook, Cecil Payne, John Ore,  Big John Patton, Harold Mabern, Eddie Henderson, John Jenkins and his brothers, John and James.

Joseph’s career includes recording over 100 CD’s as leader and side-man, jazz festivals and world tours with Pharaoh Sanders, Horace Silver, Harold Mabern, McCoy Tyner, Cedar Walton, Diana Krall, Benny Golson, George Coleman, Johnny Griffin, Lou Donaldson, Benny Green, Barry Harris, Curtis Fuller to name a few.

He is currently the drummer for McCoy Tyner and a member of the Pharaoh Sanders Quartet, Harold Mabern Trio, and is a founding member of the renowned One for All Quintet.

Recordings as leader include:  Drumspeak, Beautiful Friendship feat. Cedar Walton and Curtis Fuller, Prime Time, Super Prime Time and Make Someone Happy.
https://www.joefarnsworthdrums.com/bio

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Joe, uno de los bateristas de jazz más respetados de la escena actual, es conocido por su increíble velocidad, precisión, interpretación musical y melódica.

Nacido en South Hadley, Massachusetts, en 1968, Joe creció en una familia musical; su padre era educador musical y tiene cuatro hermanos mayores, dos de los cuales se convirtieron en músicos profesionales.  

Estudió con Alan Dawson y Arthur Taylor antes de asistir y graduarse en William Patterson College en Nueva Jersey en 1994, donde comenzó a tocar con el saxofonista Eric Alexander y el guitarrista Peter Bernstein.

Al mudarse a la ciudad de Nueva York, dirigió los combos de jazz de fin de semana en Augie's (ahora Smoke Jazz & Supper Club). Actuó con Junior Cook, Cecil Payne, John Ore, Big John Patton, Harold Mabern, Eddie Henderson, John Jenkins y sus hermanos, John y James.

La carrera de Joseph incluye la grabación de más de 100 CD como líder y acompañante, festivales de jazz y giras mundiales con Pharaoh Sanders, Horace Silver, Harold Mabern, McCoy Tyner, Cedar Walton, Diana Krall, Benny Golson, George Coleman, Johnny Griffin, Lou Donaldson, Benny Green, Barry Harris, Curtis Fuller, por nombrar algunos.

Actualmente es el baterista de McCoy Tyner y miembro del Cuarteto Pharaoh Sanders, Harold Mabern Trio, y es miembro fundador del renombrado Quinteto One for All.

Las grabaciones como líder incluyen: Drumspeak, Beautiful Friendship feat. Cedar Walton and Curtis Fuller, Prime Time, Super Prime Time and Make Someone Happy.
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Russell Malone • Heartstrings

 

Biography
by Matt Collar
An adept jazz guitarist with a clean attack and fluid, lyrical style, Russell Malone often plays in a swinging, straight-ahead style, weaving in elements of blues, gospel, and R&B. Born in Albany, Georgia in 1963, Malone first began playing guitar around age four on a toy instrument, quickly graduating to the real thing. Largely self-taught, he initially drew inspiration listening to the recordings of gospel and blues artists including the Dixie Hummingbirds and B.B. King. However, after seeing George Benson perform with Benny Goodman on a television show, Malone was hooked on jazz and began intently studying albums by legendary guitarists like Charlie Christian and Wes Montgomery.

By his twenties, Malone was an accomplished performer, and in 1988 he joined organist Jimmy Smith's band. Soon after, he also became a member of Harry Connick, Jr.'s big band, appearing on Connick's 1991 effort Blue Light, Red Light. With his growing reputation as a sideman, Malone next caught the attention of pianist/vocalist Diana Krall, with whom he would work throughout much of the '90s and 2000s. Also during this period, Malone appeared with a bevy of name artists including Branford Marsalis, Benny Green, Terell Stafford, Ray Brown, and others.

As a solo artist, Malone made his debut with 1992's Russell Malone, followed a year later by Black Butterfly. In 1999, he released Sweet Georgia Peach, which featured a guest appearance from pianist Kenny Barron. Malone kicked off the 2000s with several albums on Verve, including 2000's Look Who's Here and 2001's orchestral jazz-themed Heartstrings. He then moved to Maxjazz for 2004's Playground, featuring a guest appearance from saxophonist Gary Bartz, followed by 2010's Triple Play.

Over the next several years, Malone appeared on albums by Wynton Marsalis, Christian McBride, and Ron Carter, as well as Krall bandmate bassist Ben Wolfe. He returned to solo work in 2015 with the eclectic small-group album Love Looks Good on You, followed a year later by All About Melody, both on HighNote. In 2017, he delivered his third HighNote album, Time for the Dancers, featuring his quartet with pianist Rick Germanson, bassist Luke Sellick, and drummer Willie Jones III.
https://www.allmusic.com/artist/russell-malone-mn0000808613/biography

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Biografía
por Matt Collar
Adepto guitarrista de jazz con un ataque limpio y un estilo fluido y lírico, Russell Malone toca a menudo con un estilo swing y directo, entrelazando elementos de blues, gospel y R&B. Nacido en Albany, Georgia, en 1963, Malone empezó a tocar la guitarra a los cuatro años con un instrumento de juguete, y pronto pasó a tocar la guitarra de verdad. De formación autodidacta, al principio se inspiró en las grabaciones de artistas de gospel y blues como los Dixie Hummingbirds y B.B. King. Sin embargo, tras ver a George Benson tocar con Benny Goodman en un programa de televisión, Malone se enganchó al jazz y empezó a estudiar atentamente discos de guitarristas legendarios como Charlie Christian y Wes Montgomery.

A los veinte años, Malone ya era un consumado intérprete, y en 1988 se unió a la banda del organista Jimmy Smith. Poco después, se convirtió en miembro de la big band de Harry Connick, Jr. y apareció en el álbum de Connick de 1991 Blue Light, Red Light. Con su creciente reputación como músico de acompañamiento, Malone llamó la atención de la pianista y vocalista Diana Krall, con quien trabajó durante gran parte de los años 90 y 2000. También durante este periodo, Malone actuó con un grupo de artistas de renombre como Branford Marsalis, Benny Green, Terell Stafford y Ray Brown, entre otros.

Como solista, Malone debutó con Russell Malone en 1992, seguido un año después por Black Butterfly. En 1999 publicó Sweet Georgia Peach, que contó con la participación del pianista Kenny Barron. Malone inició la década de 2000 con varios álbumes en Verve, entre ellos Look Who's Here, de 2000, y Heartstrings, de 2001, de temática jazz orquestal. Luego pasó a Maxjazz para Playground (2004), con la participación del saxofonista Gary Bartz, y Triple Play (2010).

En los años siguientes, Malone apareció en álbumes de Wynton Marsalis, Christian McBride y Ron Carter, así como del bajista Ben Wolfe, compañero de banda de Krall. Volvió a trabajar en solitario en 2015 con el ecléctico álbum para pequeños grupos Love Looks Good on You, seguido un año después por All About Melody, ambos en HighNote. En 2017, publicó su tercer álbum en HighNote, Time for the Dancers, en el que presenta a su cuarteto con el pianista Rick Germanson, el bajista Luke Sellick y el batería Willie Jones III.
https://www.allmusic.com/artist/russell-malone-mn0000808613/biography

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Bill Barron • Modern Windows A Jazz Suite From The New “Soul”

 

Biography
by Scott Yanow
Bill Barron was an advanced and adventurous tenor saxophonist (doubling on soprano) who never compromised his music or received much recognition. He spent his formative years and beyond in Philadelphia, not moving to New York until 1958. Barron first came to the jazz world's attention through his participation on a Cecil Taylor date in 1959. After recording with Philly Joe Jones, Barron co-led a fine post-bop quartet with Ted Curson. However, Barron spent much of the remainder of his career as an educator, directing a jazz workshop at the Children's Museum in Brooklyn, teaching at City College of New York, and becoming the chairman of the music department at Wesleyan University. His "day job" made it possible for him to consistently record non-commercial music for Savoy (in 1972 he made that label's last jazz record), Dauntless, and Muse. Every one of Bill Barron's recordings as a leader uses brother Kenny Barron (16 years his junior) on piano.
https://www.allmusic.com/artist/bill-barron-mn0000059950/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Bill Barron fue un saxofonista tenor avanzado y aventurero (doblaba en soprano) que nunca comprometió su música ni recibió mucho reconocimiento. Pasó sus años de formación y los siguientes en Filadelfia, y no se trasladó a Nueva York hasta 1958. Barron llamó por primera vez la atención del mundo del jazz gracias a su participación en una cita con Cecil Taylor en 1959. Después de grabar con Philly Joe Jones, Barron codirigió un excelente cuarteto post-bop con Ted Curson. Sin embargo, Barron pasó gran parte del resto de su carrera como educador, dirigiendo un taller de jazz en el Museo de los Niños de Brooklyn, enseñando en el City College de Nueva York y convirtiéndose en presidente del departamento de música de la Universidad Wesleyan. Su "trabajo diario" le permitió grabar constantemente música no comercial para Savoy (en 1972 grabó el último disco de jazz de ese sello), Dauntless y Muse. En todas las grabaciones de Bill Barron como líder aparece su hermano Kenny Barron (16 años menor que él) al piano.
https://www.allmusic.com/artist/bill-barron-mn0000059950/biography

Kenny Barron Quintet • Images

Hard-bop pianist Kenny Barron has been a "musician's musician" for decades, playing behind such towering figures as Dizzy Gilles pie, Yusef Lateef, Stan Getz, and Freddie Hubbard. But in the 1990s, Barron began to take center stage, leading mostly trios through a series of albums that established him as a fine composer of intricate but madly swinging tunes. On IMAGES, he's assembled a somewhat unusual lineup, dispensing with any reeds or brass--just piano, flute, vibes, bass, and drums. The result is a set of bright, deceptively easygoing straight-ahead jazz--imagine the Modern Jazz Quartet after a long vacation in Brazil, where they drank lots of coffee.

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El pianista de hard-bop Kenny Barron ha sido un "músico de músicos" durante décadas, tocando detrás de figuras tan imponentes como Dizzy Gilles pie, Yusef Lateef, Stan Getz y Freddie Hubbard. Pero en la década de 1990, Barron comenzó a ocupar el centro del escenario, liderando principalmente tríos a través de una serie de álbumes que lo establecieron como un fino compositor de melodías intrincadas pero locamente balanceadas. En IMAGENES, ha reunido una alineación algo inusual, prescindiendo de cualquier lengüeta o latón - sólo piano, flauta, vibráfono, bajo y batería. El resultado es un conjunto de jazz brillante, engañosamente fácil de llevar a cabo, imagina el Modern Jazz Quartet después de unas largas vacaciones en Brasil, donde bebieron mucho café. 

kennybarron.com ...

 

Bill Barron • The Tenor Stylings

 

Biography
by Scott Yanow
Bill Barron was an advanced and adventurous tenor saxophonist (doubling on soprano) who never compromised his music or received much recognition. He spent his formative years and beyond in Philadelphia, not moving to New York until 1958. Barron first came to the jazz world's attention through his participation on a Cecil Taylor date in 1959. After recording with Philly Joe Jones, Barron co-led a fine post-bop quartet with Ted Curson. However, Barron spent much of the remainder of his career as an educator, directing a jazz workshop at the Children's Museum in Brooklyn, teaching at City College of New York, and becoming the chairman of the music department at Wesleyan University. His "day job" made it possible for him to consistently record non-commercial music for Savoy (in 1972 he made that label's last jazz record), Dauntless, and Muse. Every one of Bill Barron's recordings as a leader uses brother Kenny Barron (16 years his junior) on piano.
https://www.allmusic.com/artist/bill-barron-mn0000059950/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Bill Barron fue un saxofonista tenor avanzado y aventurero (doblaba en soprano) que nunca comprometió su música ni recibió mucho reconocimiento. Pasó sus años de formación y los siguientes en Filadelfia, y no se trasladó a Nueva York hasta 1958. Barron llamó por primera vez la atención del mundo del jazz gracias a su participación en una cita con Cecil Taylor en 1959. Después de grabar con Philly Joe Jones, Barron codirigió un excelente cuarteto post-bop con Ted Curson. Sin embargo, Barron pasó gran parte del resto de su carrera como educador, dirigiendo un taller de jazz en el Museo de los Niños de Brooklyn, enseñando en el City College de Nueva York y convirtiéndose en presidente del departamento de música de la Universidad Wesleyan. Su "trabajo diario" le permitió grabar constantemente música no comercial para Savoy (en 1972 grabó el último disco de jazz de ese sello), Dauntless y Muse. En todas las grabaciones de Bill Barron como líder aparece su hermano Kenny Barron (16 años menor que él) al piano.
https://www.allmusic.com/artist/bill-barron-mn0000059950/biography

 

Ralph Lalama • Momentum

 

Ralph Lalama is a highly respected American jazz tenor saxophonist born on January 30, 1951, in Pittsburgh, Pennsylvania (raised in West Aliquippa). He grew up in a musical family—his father was a steelworker, his mother a singer, and his father also played drums. Lalama graduated from The Dana School of Music at Youngstown State University in Ohio, where legendary jazz composer Thad Jones recognized his remarkable talent and encouraged him to move to New York All About Jazz.
Since arriving in New York, Lalama has achieved dignified status as a widely respected master of the tenor saxophone through his work with the big bands of Woody Herman, Buddy Rich, Carla Bley, and the Thad Jones/Mel Lewis Orchestra All About Jazz—now known as the Vanguard Jazz Orchestra. He joined the Mel Lewis Orchestra in 1983 and has been a featured soloist at New York's Village Vanguard virtually every Monday night for the past thirty years NEPM.
Lalama is an excellent tenor saxophonist influenced primarily by Hank Mobley and Sonny Rollins AllMusic, with a playing style that evokes the prime years of Blue Note Records. His performance abilities span from small group settings to large ensembles, and he excels particularly in chordless trio formats.
Lalama is a three-time Grammy winner through his work with the Joe Lovano Nonet and the Vanguard Jazz Orchestra Purchase College. He has recorded extensively, leading nine albums of his own and appearing on more than sixty recordings as a sideman. His notable recordings as a leader include albums for the Dutch label Criss Cross Jazz, such as "Circle Line" (1997), which received 4½ stars from Down Beat Magazine.

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Ralph Lalama es un saxofonista tenor de jazz estadounidense ampliamente respetado, nacido el 30 de enero de 1951 en Pittsburgh, Pennsylvania (criado en West Aliquippa). Creció en una familia musical—su padre era trabajador siderúrgico, su madre cantante, y su padre también tocaba la batería. Lalama se graduó de la Escuela de Música Dana de la Universidad Estatal de Youngstown en Ohio, donde el legendario compositor de jazz Thad Jones reconoció su notable talento y lo alentó a mudarse a Nueva York.
Desde su llegada a Nueva York, Lalama ha alcanzado un estatus digno como maestro ampliamente respetado del saxofón tenor a través de su trabajo con las big bands de Woody Herman, Buddy Rich, Carla Bley y la Orquesta de Thad Jones/Mel Lewis, ahora conocida como la Vanguard Jazz Orchestra. Se unió a la Orquesta de Mel Lewis en 1983 y ha sido solista destacado en el Village Vanguard de Nueva York prácticamente cada lunes por la noche durante los últimos treinta años.
Lalama es un excelente saxofonista tenor influenciado principalmente por Hank Mobley y Sonny Rollins, con un estilo interpretativo que evoca los años de oro de Blue Note Records. Sus habilidades interpretativas abarcan desde pequeños grupos hasta grandes conjuntos, y destaca particularmente en formatos de trío sin instrumento de acordes.
Lalama es ganador de tres premios Grammy a través de su trabajo con el Joe Lovano Nonet y la Vanguard Jazz Orchestra. Ha grabado extensamente, liderando nueve álbumes propios y apareciendo en más de sesenta grabaciones como músico acompañante. Entre sus grabaciones notables como líder se incluyen álbumes para el sello holandés Criss Cross Jazz, como "Circle Line" (1997), que recibió 4½ estrellas de la revista Down Beat.


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